La valoración del jurado #BMMN18

Nos acercamos a conocer la opinión de los miembros del jurado de la #BMMN18 sobre la importancia del #artepúblico y de los certámenes de arte contemporáneo. Cuatro personas de reconocido prestigio y una dilatada trayectoria han sido las encargadas de seleccionar las 10 obras que se verán en las calles de #Mislata a partir del 1 de diciembre.

/Alba Braza

/Oriol Fontdevila

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Estos son los 10 artistas premiados por la BMMN18

Los artistas María Vidagañ, ESCIF, Ismael Teira, Miguel Hache, Beatriz Millón y Gloria García, Ofelia Cardo, Lluc Mayol, Anaïs Florin, Daniel Garrido y María Tena han resultado premiados con 1.500 euros para llevar a cabo su proyecto artístico, que conformará un itinerario a partir del próximo mes de diciembre por enclaves históricos de Mislata.

Imagen de una de las propuestas de intervención Ismael Teira.

El jurado deliberó y la edición de arte público de la Biennal de Mislata ya tiene ganadores y ganadoras. Entre las 86 propuestas recibidas, el jurado ha destacado las de diez artistas, combinando “la presencia de artistas con media y larga carrera, dando la oportunidad tanto a artistas muy presentes en el panorama artístico como a artistas emergentes”, según explica la comisaria de la edición y portavoz del jurado, Alba Braza. Para la concejala de Cultura, Pepi Luján, “el jurado ha hecho un arduo trabajo y el resultado será un recorrido muy interesante que unirá puntos emblemáticos de Mislata e interacuará con quienes paseen por nuestras calles, haciendo accesible el arte a todo el público”.

Entre las obras ganadoras, varias de ellas intervienen en espacios haciendo uso de materiales que se pueden encontrar en el propio paisaje urbano, reutilizando elementos o cambiándolos de ubicación. Es el caso de las obras “Mozart, Bach, y las flores del mal”, de María Vidagañ; “Terreno infinito”, la propuesta de Ismael Teira; o “Espacios del no-hacer”, la obra de Daniel Garrido.

Conforme solicitaban las bases, otras obras se centran en la propia historia de la ciudad y su patrimonio. Así, las obras “Paellero”, de Lluc Mayol; “Migrar el nido. Perfil de acogida”, de Ofelia Cardo; o “Aquí vivía yo”, de Miguel Hache, dialogan con el crecimiento social o urbanístico de la ciudad, sin despegarse de su tradición. En el caso de estos dos últimos, además, se trata de artistas locales.

Entre los artistas premiados también hay alguno de reconocimiento internacional, como ESCIF, artista urbano con extensa trayectoria en la mayoría de ciudades europeas, y que cuenta ya con medianeras muy visitadas en Roma, Barcelona, Madrid, y recientemente intervino en la fachada trasera del IVAM con una pintura de 2.000 metros cuadrados. Con su obra para Mislata, “Fragmentos robados”, trasladará a los muros algunas expresiones captadas de conversaciones ajenas.

Otras obras, como “Un rodeo”, de Anaïs Florin; “Breve encuentro”, de María Tena; o “La luz es un privilegio” de Beatriz Millón, interaccionan con el tejido social desde diversos puntos de vista, y plantearán preguntas a los transeúntes para conocer mejor la idiosincrasia de Mislata.

La comisaria de la Biennal de Mislata, Alba Braza, valora que “la presente edición vuelve a tener como objeto y sujeto a Mislata. A partir de lo local se abordarán temas globales invitando así a la ciudadanía a repensar el territorio y a participar de otras formas de relacionarse donde tienen cabida situaciones extraordinarias y mágicas”.

Los artistas cuentan ahora con un mes para la producción de su obra y sacarla a la calle, un itinerario que recorrerá el casco histórico del municipio desde el 1 de diciembre hasta mediados de enero. Este recorrido estará complementado con multitud de actividades, así como una exposición de obra de Miquel Navarro en el Centro Cultural.

Simulación del proyecto “Aquí vivía yo”, de Miguel Hache.

El jurado evaluó los 86 proyectos de arte público recibidos para la #BMMN18

Para la concejala de Cultura, Pepi Luján, “la edición ha vuelto a resultar un éxito de convocatoria, con multitud de artistas emergentes que han presentado proyectos buscando proteger el planeamiento urbano desde la diversidad, la tolerancia y el respeto por el patrimonio social de Mislata”

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Los miembros del jurado de esta edición, Tamara Díaz, Oriol Fontdevila, Maite Ibáñez y Alba Braza, contaron con la presidencia simbólica de la concejala de Cultura, Pepi Luján, sin calidad de voto. Durante varias horas el equipo estuvo reunido para poner en común sus valoraciones de las 86 propuestas de arte público presentadas a esta edición 2018 de la Biennal de Mislata Miquel Navarro.

La convocatoria pedía intervenciones artísticas mediante las que se favoreciera la convivencia, la interacción con el espacio urbano, invitando a generar nuevos modelos de participación y propuestas de arte público basadas en la igualdad de género, la diversidad sexual, la ecología, o el cuidado del medio ambiente y del patrimonio histórico de la ciudad. Así, el jurado ha tenido que valorar la calidad e idoneidad de las propuestas presentadas, y su viabilidad para llevarlas a cabo.

Entre los proyectos presentados, la mayoría son de artistas de procedencia nacional, aunque algunos también proceden de otros países. En general, para la comisaria de la edición y portavoz del jurado, Alba Braza, “ha habido un buen nivel de convocatoria, hemos comprobado que la mayoría de propuestas se adaptan a las exigencias de las bases y muchas están avaladas por la firma de artistas emergentes de relevancia internacional, o artistas ya premiados por otros certámenes de arte contemporáneo”.

La concejala de Cultura, Pepi Luján, por su parte ha valorado como un “éxito rotundo de convocatoria, que pone de manifiesto la necesidad de seguir apostando por premios para generar arte urbano, porque con ello estamos haciendo una ciudad más involucrada en el ámbito cultural, abrimos perspectivas de cómo son las cosas, invitamos a la participación de nuestro tejido social y el arte nos acerca a conocer aspectos muy interesantes de nuestro tramado social e histórico”.

Esta misma semana se darán a conocer los nombres de los 10 artistas premiados que recibirán 1.500 euros para hacer realidad su propuesta artística. Todas las seleccionadas conformarán un itinerario que recorrerá el casco histórico de Mislata desde finales de noviembre, y durante varias semanas.

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Las obras ganadoras de la edición Compromiso Social 2017

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1º Premio

Rosalía Banet
El banquete hambriento 3
, 2010
Óleo sobre lienzo
180 x 130 cm

El banquete hambriento pertenece a un proyecto que a través de diferentes rituales sociales relacionados con la comida (cumpleaños, navidad, meriendas y cenas con amigos, etc.) narra la vida de dos hermanas siamesas. Este personaje duplicado representa una identidad doble, significa la diferencia entre lo que la sociedad nos dice que debemos ser y lo que en realidad somos y queremos ser. Sobre la mesa de este banquete no encontramos fruta ni verdura, sino fragmentos humanos. Cabeza, corazón y huesos que simbolizan la fractura, el conflicto que esta diferencia genera; el dolor y el miedo que produce; pero también funcionan como purga, sacando al exterior el interior, las vísceras se exponen ante nosotros como forma de mostrar la herida, de curarla. A pesar de la crudeza de su contenido, la obra tiene una estética dulce y alegre, pues refleja la sociedad de consumo como un sistema caníbal que bajo la apariencia de felicidad e hiper-abundancia genera y esconde desigualdades, prejuicios y otros horrores. Más allá de lo puramente nutricional, los alimentos que ahora nos llevamos a la boca están cargados de ideologías, identidades, creencias, etc. que manipulan nuestros deseos y nuestros miedos, condicionando y confundiendo nuestro pensamiento, de tal forma que cuando comemos un producto también ingerimos grandes una forma de pensar, una visión unidireccional e intencionada de nuestro entorno y de cómo debemos comportarnos. La pieza ha sido realizada en óleo sobre lienzo y se ha desarrollado a partir de una pequeña maqueta con personajes y comida de plastilina, fotografiada y posteriormente ampliada sobre la tela.

 

2º Premio

Sandra Paula Fernández
Enfermera, 2015-2016
Panamá bordado a punto de cruz con hilos de colores
170 x 160 cm

 

Enfermera forma parte del proyecto “Arte Público: la vida no sólo es coser y cantar” en el que la artista está trabajando desde hace varios años. Escogió este título ya que antiguamente una “mujer pública” era un eufemismo con el que se designaba a las prostitutas.

Esta línea de investigación se enmarca dentro de labores tradicionales tales como coser, tejer, bordar, etc. que siempre han estado asociadas a lo femenino y ligadas  al ámbito de lo privado y lo doméstico.

Empezó a bordar estos textos porque considera que son importantes y dan pistas acerca de nuestra sociedad actual y la doble moral que se exhibe en torno a estos temas. No sólo ha bordado anuncios de periódicos sino también textos extraídos de páginas web de contactos en las que se aprecia toda la crudeza de  este tipo de anuncios.

Por ser reales, resulta aún más interesante respetar la ortografía y el formato. Muchos de estos anuncios aún permanecen subidos en la red.

Estos textos que pasan generalmente desapercibidos entre las páginas de los periódicos, ponen de relieve toda su dureza cuando se muestran a gran tamaño en una sala de exposición.

Enfermera, en concreto, se caracteriza por su ironía y por su humor negro. Tiene además la carga añadida de ser muy crítico con el momento de crisis reciente  que se vivió en España y del que aún estamos saliendo.  Por eso también me  pareció interesante.

La técnica empleada, el punto de cruz, acarrea además una carga sexista asociada a algo ñoño y bonito propio de amas de casa desocupadas.

Éstas dos obras pasan formar parte de la colección del Ayuntamiento de Mislata, la cual se conforma desde los años ochenta con convocatorias comisariadas por Juan Ángel Blasco Carrascosa, Joan B. Peiró e Isabel Tejeda. Obras de artistas como María Zárraga Maribel Doménech, Àlex Francés, Ana Navarrete, Javier Garcerá, Nico Munuera, Juan Olivares, Ernesto Casero, Juan José Martín Andrés, Juan Canales o María Ortega forman ya parte de la colección y se pueden ver en diferentes centros públicos de la localidad.

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La exposición

Artistas participantes: Rosalía Banet, Gabriela Bettini, María Carbonell, Diego Diez, Manuel Antonio Domínguez Gómez, Sandra Paula Fernández, María Gimeno, Andrea Hauer, Sonia Navarro y Gema Rúperez.

Comisariada por Alba Braza.

El 1 de diciembre de 2017 hasta el 31 de enero de 2018.

Sala de exposiciones del Centro Cultural de Mislata
Gregorio Gea, 34. Mislata
+34 963 990 370
biennal@mislata.es

De lunes a viernes, de 16 a 21 h.

 

La exposición reúne las diez obras seleccionadas en la convocatoria “Premios de adquisición Mislata 2017. Compromiso social en las artes visuales” organizado por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Mislata dentro del ámbito de la Biennal de Mislata Miquel Navarro. Dos de ellas, “El banquete hambriento 3” de Rosalia Banet y “Enfermera” de Sandra Paula Fernández, han recibido el premio de adquisición con 7.000 y 6.000 euros respectivamente. El resto de obras han recibido 250 euros en concepto de honorarios de artista.

Siguiendo el tema establecido en la convocatoria, el compromiso social vinculado a la igualdad de género, la exposición tiene como objeto ser una muestra representativa de los planteamientos actuales en torno a esta cuestión y ofrecer una mirada inclusiva y provocadora. Se resaltan así situaciones de desigualdad social, la lucha por la igualdad real que desde diferentes colectivos activistas se está llevando a cabo en el mundo, y  una visión crítica y reflexiva sobre los estereotipos de género, tanto femenino, como masculino.

María Gimeno (Zamora, 1970) introduce la situación de desigualdad en el campo profesional del mismo contexto artístico. Queridas viejas, editando a Gombrich, es un libro intervenido durante una performance realizada anteriormente, la cual se muestra en forma de vídeo junto con éste. El libro en cuestión es la conocida  Historia del Arte de Ernst Gombrich, un manual de referencia que desde su primera edición en 1950, ha vendido más de 8.000.000 ejemplares en todo el mundo, y en el que no se menciona a ni una sola mujer artista en toda la historia. A golpe de cuchillo, Gimeno engorda el libro incluyendo las mujeres creadoras invisibilizadas tanto en la edición, como en la transmisión de conocimientos de la historia.

María Gimeno. Queridas viejas, editando a Gombrich, 2017. Libro intervenido y atril sobre pared y vídeo, 40 x 60 cm y vídeo 36’ 20’’ (vista parcial). Foto: Kike Sempere

María Carbonell (Molina del Segura, 1980) muestra con Our Body, our Fight (Nuestro cuerpo, nuestra lucha) la  lucha activa de las mujeres por conseguir sus derechos. La pintura al óleo  narra  tres  componentes del grupo feminista y activista FEMEN en plena carrera atlética. Dicho grupo se caracteriza por utilizar su propio cuerpo como forma de protesta en el que escribir consignas de protesta, buscando con ello el impacto social y simbolizar la liberación femenina. Una lucha por la igualdad de género real que, si bien ha permitido adquirir derechos elementales, manifiesta que tiene aún un largo camino por recorrer.

María Carbonell. Our Body, our Fight, 2017. óleo sobre lienzo, 195 x 195 cm Foto: Kike Sempere

Gabriela Bettini (Madrid, 1977), refleja con Paisajes de excepción una investigación centrada en desapariciones y asesinatos de mujeres defensoras de la naturaleza, fundamentalmente en América Latina. Representa una esquina del estudio de la artista donde hay dispuestos distintos paisajes pintados a partir de imágenes encontradas en Internet de lugares donde han matado a mujeres defensoras de la tierra. Otras imágenes aparecen en portadas de páginas web de empresas transnacionales extractivistas que explotan los recursos naturales en esos lugares y que publicitan una actitud de respeto a la naturaleza y de colaboración con las comunidades.

Las diferentes luchas por los derechos narradas por estas tres primeras obras conviven con otros relatos en los que el cuerpo actúa como sujeto de la tensión. Gema Rupérez (Zaragoza, 1982) contrapone en Missed call la poesía, inmortalizada en libros, con su contrario simbólico en el imaginario colectivo, la prostitución, sometida a la invisibilidad.

La artista publica en la sección de contactos de un diario local versos extraídos de poemas de amor escritos por mujeres reconocidas documentando con una cámara oculta e incluyendo dicho vídeo en la instalación. Los anuncios están asociados a un número de teléfono, un móvil activo que se expone, recibiendo y registrando las llamadas de números desconocidos, en tiempo real.

Gema Rúperez. Missed call, 2016-2017. instalación: hojas de periódico intervenidas, teléfono, vídeo-registro, Medidas variables. Foto: Kike Sempere
Gema Rúperez. Missed call, 2016-2017. instalación: hojas de periódico intervenidas, teléfono, vídeo-registro, Medidas variables (vista parcial). Foto: Kike Sempere

Asimismo, Sandra Paula Fernández (Oviedo,1972) con Enfermera, obra que forma parte del proyecto Arte Público: la vida no sólo es coser y cantar, hace uso de labores tradicionales como coser, tejer o bordar, tradicionalmente asociadas a lo femenino y ligadas al ámbito de lo privado y lo doméstico, produciendo anuncios de periódicos y de páginas web de contactos reales en gran formato.  Respetando ortografía y el formato el texto, que se caracteriza por su ironía, y mostrándolo en gran tamaño se intensifica la carga sexista de los mensajes.

El cuerpo cosificado que invita a la reflexionar sobre los estereotipos de género, tal y como Manuel Antonio Domínguez Gómez (Huelva, 1976) trata en Más adelante. Su obra es una acuarela que ofrece nuevas lecturas sobre entornos sociales y culturales estableciendo mediante la diversidad vínculos con el otro y consigo mismo. Se cuestionan actitudes dominantes respecto a la sexualidad y se reconsidera la educación y su importancia en la formación de las identidades sexuales y de género. La utilización del traje de chaqueta, de la uniformidad en algunos sectores o el poder constructor de la vestimenta, plantea una revisión de las formas de poder que se ejercen directamente sobre los cuerpos y que desencadenan comportamientos de inculcación y asimilación.

Igualmente Diego Diez (Barcelona, 1994) aborda en Prendas del poder I un análisis a través de la moda de la posición que adopta la mujer ante los cánones de belleza y estilo esperados por una sociedad heteropatriarcal como la actual. Así, mediante cincuenta fotografías extraídas de Internet de mujeres que, según Forbes, son las más importantes y poderosas del mundo, muestra sus poses encuadrando sus piernas y enseñando, sobretodo, su falda. Toda una reflexión sobre la figura de la mujer en un mundo económico y político frecuentemente dominado por hombres.

Diego Diez. Prendas del poder I, 2017. 50 fotografías, 10 x 7,5 cm cad (vista parcial). Foto: Kike Sempere

La labor de coser y bordar aparece desde diferentes enfoques en la exposición. Sonia Navarro (Puerto Lumbreras, 1975) propone Luci in the Escai 1, una obra realizada a base de collage de PVC cosidos. Las formas reunidas recuerdan tanto posibles recorridos en planos de ciudades, espacios urbanos plasmados cartográficamente, como patrones de costura elemento muy presente en la obra de la artista y encuadrado en un discurso de género que liga íntimamente la práctica del coser a los femenino y doméstico.

Por otro lado, Andrea Hauer (Concepción, Chile, 1974) hace uso de la misma técnica en Living, obra que pertenece a la serie Hogar Dulce Hogar y  que nace como reacción al cambio vital que vive la artista al ser madre y tener que quedarse en casa y al cuidado de sus hijos.  Estas nuevas obligaciones le hacen tomar conciencia de cómo ha sido delimitado el papel como mujer en la sociedad, de cómo la educación ha considerado “naturales” unos comportamientos subjetivos fruto de la construcción social. De cómo la mujer es usada por el sistema como mano de obra no remunerada y cómo ese trabajo diario es invisibilizado e infravalorado. A nivel plástico, utiliza la costura como técnica por cuestiones prácticas (no huele, no es peligrosa para niños, se puede hacer en cualquier parte) y por sus connotaciones de género, que la inscriben como  un método tradicional femenino y casero. Así, asume la costura como un lenguaje propio, pues la artista aprendió  a coser y a escribir casi al mismo tiempo, y  la utiliza como un acto de transgresión y resistencia frente a técnicas tradicionales dentro de las bellas artes.

Andrea Hauer. Living, 2015. Hilo sobre tela, 90 x 120 cm. Foto: Kike Sempere

La transgresión y la voluntad por mostrar los conflictos surgidos fruto de los convencionalismos sociales creados está patente en la obra de Rosalía Banet (Madrid, 1972), El banquete hambriento 3.  La pieza, realizada en óleo sobre lienzo, pertenece a un proyecto que  narra la vida de dos hermanas siamesas a través de diferentes rituales sociales relacionados con la comida (cumpleaños, navidad, meriendas y cenas con amigos, etc.). Este personaje duplicado representa una identidad doble, significa la diferencia entre lo que la sociedad nos dice que debemos ser y lo que en realidad somos y queremos ser. Sobre la mesa de este banquete no encontramos fruta ni verdura, sino fragmentos humanos. Cabeza, corazón y huesos que simbolizan la fractura, el conflicto que esta diferencia genera; el dolor y el miedo que produce; pero también funcionan como purga, sacando al exterior el interior, las vísceras se exponen ante nosotros como forma de mostrar la herida, de curarla. A pesar de la crudeza de su contenido, la obra tiene una estética dulce y alegre, pues refleja la sociedad de consumo como un sistema caníbal que bajo la apariencia de felicidad e hiper-abundancia genera y esconde desigualdades, prejuicios y otros horrores. Más allá de lo puramente nutricional, los alimentos que ahora nos llevamos a la boca están cargados de ideologías, identidades, creencias, etc. que manipulan nuestros deseos y nuestros miedos, condicionando y confundiendo nuestro pensamiento, de tal forma que cuando comemos un producto también ingerimos grandes una forma de pensar, una visión unidireccional e intencionada de nuestro entorno y de cómo debemos comportarnos. El banquete hambriento 3  se ha desarrollado a partir de una pequeña maqueta con personajes y comida de plastilina, fotografiada y posteriormente ampliada sobre la tela.

De acuerdo con las bases, el jurado seleccionó un total de 10 artistas, añadiendo en acta otros tres artistas más que querían destacar dada la calidad de sus obras y no poder ser incluidas (Art al Quadrat, Luis Melón y Olalla Gómez).

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Artistas seleccionados

 

Rosalía Banet
Madrid, 1972

Licenciada en la facultad de Bellas Artes de Pontevedra en 1996 y doctora en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, en 2003.


Ha expuesto individualmente en galerías como Espacio Mínimo, Marta Cervera, Catherine Clark o Twin Gallery; y en centros de arte como La Conservera (Murcia), el MAS (Santander) o el Centro de Arte de Alcobendas. Ha participado en ferias internacionales como ARCO (Madrid), Frieze (Londres), FEMACO (México D.F.), Volta (Basilea) o CIGE (Pekín).


Recientemente ha recibido la beca de la Real Academia de España en Roma, donde ha sido residente en el período 2016/17.


Desde su trabajo analiza, reflexiona y critica la sociedad actual. Trata de mostrar sus excesos y desigualdades. Utiliza el cuerpo humano y sus enfermedades como metáforas para representar un sistema que considera caótico, alienador y deshumanizado. La comida es otra de las constantes en sus proyectos. A través del sistema alimentario abarca temas que van desde lo nutricional a cuestiones sociales, políticas, económicas y medioambientales.

 

Gabriela Bettini
Madrid, 1977

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 2001. Obtiene una Beca de la Fundación “la Caixa” y el British Council para estudios de posgrado en el Reino Unido con la que realiza el Master in Fine Art, University of East London (2003-04).


Ha ganado el Premio Internacional de Artes Plásticas Obra Abierta 2017, Fundación Bancaria Caja de Extremadura. Ha obtenido la Beca de Pintura MAEC-AECID en la Real Academia de España en Roma (2015-16); Beca del CCEBA – Residencia URRA (Buenos Aires, 2010); Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid (2007) y Muestra de Arte INJUVE (2005).


Sus últimas exposiciones individuales han sido La memoria de los intentos, Galería silvestre (Tarragona, 2017); Paisajes de excepción, Galería silvestre (Madrid, 2016); Larga distancia, Galería silvestre (Tarragona, 2015); La casa roja, La Fresh Gallery (Madrid, 2013) y Galería Mundo Nuevo (Buenos Aires, 2013); Acentos, Museo Evita (Buenos Aires, 2012); Un tiempo casi cercano, Centro Cultural Borges (Buenos Aires, 2011); Algunas de aquellas historias, Galería Asm28 (Madrid, 2010) y Casa de América Latina (Lisboa, 2011).


Ha participado en exposiciones colectivas como Habitar la frontera, Bienal Internacional de Arquitectura de San Sebastián (2017), Exilios _ Memorias del Terrorismo de Estado, Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (Buenos Aires, 2017); Hecho en Roma, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid, 2017); Nunca más el olvido. Miradas en torno a la dictadura argentina, Centro Cultural Tlatelolco (Ciudad de México, 2016); Processi 143, Real Academia de España en Roma (Roma, 2016); Bread and Roses!!, Sa Quartera, Centre d’Art (Inca, 2016); Obra Abierta, Premio Internacional de Artes Plásticas Caja de Extremadura (Plasencia, 2015 y 2014); Feria ArteBa, La Fresh Gallery (Buenos Aires, 2014); Premio de Pintura Focus-Abengoa, Fundación Focus-Abengoa (Sevilla, 2013); Anacronías, Fondation Argentine (París, 2011) y Open house (Londres, 2010).

 

María Carbonell
Molina del Segura, 1980

Realiza sus estudios artísticos en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos (Valencia), licenciándose en el año 2003. En el último año de carrera se traslada a Atenas con una beca Sócrates – Erasmus. Desde el año 2008 reside en Murcia. Algunos de sus proyectos individuales son, Fake (Fundación Cajamurcia, Madrid, 2015), Dans l’interstice du silence (L’Escalier Espace d’Art, Montreuil, Francia, 2014), Transient places (Gallery 133, Toronto, 2014), Those who look / Aquellos que miran (BJ Art Gallery, Paris, 2013), Miscellaneous Works (Palacio de Garcigrande, Salamanca, 2013), o Sobre-expuestos (ES/UM, Espacio para el arte, Universidad de Murcia, Murcia, 2012).

A lo largo de su trayectoria artística ha sido galardonada con diferentes premios como el Premio Pablo de la Peña de Torres en el XLIV Concurso Internacional de Pintura Villa de Fuente Álamo (Fuente Álamo, Murcia, 2016), artista residente en el VI Encontro de Artistas Novos ‘Cidade da Cultura’ (Santiago de Compostela, 2016), Certamen Internacional de Pintura Toledo Puche (Cieza, Murcia, 2012) y el Certamen Jóvenes Pintores Fundación Gaceta de Salamanca (Salamanca, 2012), así como prestigiosas selecciones como el BP Portrait Award (Londres, 2011, 2014 y 2015).

Entre las exposiciones colectivas y proyectos donde ha participado en los últimos años se encuentran, Mundo de Papel (Cendeac, Murcia, 2017), Art Banchel – Al margen hay sitio (Nave 6, Madrid, 2017), HotelxHotel. Art & Breakfast 3 (Museo Carmen Thyssen, Málaga, 2017), Unheimlich: Visiones de lo siniestro (Espacio AB9, Murcia, 2016), BP Portrait Award 2015 (National Portrait Gallery, Londres, 2015), New Figuration (3 Punts Galerie, Berlín, 2013) o Jóvenes Pintores: 1996 – 2012 (Centro de Arte Contemporáneo DA2, Salamanca, 2012).

 

Diego Diez
Barcelona, 1994

Tras su trabajo inicial como fotógrafo, en 2014 decidió convertirse en artista visual. A partir de entonces, se percibe en toda su obra una preocupación por dar respuesta a las preguntas básicas de las artes plásticas, cuestionando la idea de representación y la producción de significado a través del uso de sistemas de conocimiento existentes. Su trabajo abarca desde instalaciones, esculturas y fotografías hasta conferencias performativas, publicaciones o exposiciones. Diez examina las condiciones de la producción artística y el proceso cognitivo de la percepción del arte. Su cuerpo de obras forma un laberinto de narraciones interrelacionadas a menudo basadas en incidentes reales o personajes o obras de arte existentes.


En la actualidad reside en los Países Bajos y estudia en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam.

 

Manuel Antonio Domínguez Gómez
Huelva, 1976

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia (2004), ha cursado la Especialidad Universitaria en Arte Público en la Universidad Politécnica de Valencia (2006) y el Máster en Arte y Producción Artística impartido por la Facultad de Bellas Artes en la misma universidad (2009).


Ha expuesto individualmente en el Museo ABC de Madrid, Museo de Huelva,  Galería Yusto/Giner de Marbella, Galería Ángeles Baños de Badajoz y en la Galería Raquel Ponce de Madrid.


Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo Arte Moderno de Santo Domingo, República Dominicana; ARCO. Stand ABC Cultural; TEA, Tenerife Espacio de las Artes; Volta Basel. Stand Galería Ángeles Baños; Today Art Museum, Pekín; Museo ABC de Madrid; Centro Centro, Palacio de Cibeles, Madrid; Galería Javier López & fer Frances, Madrid; Palacio Santa Barbara. Madrid; Galería Fernando Pradilla. Madrid; Centro Arte Contemporáneo de Málaga; Swab.Stand Galería Ángeles Baños, Barcelona; ARCO. Stand Galería Ángeles Baños,Madrid; Chaco. Stand Galería Ángeles Baños, Santiago. Chile; ArteBa. Stand Galería Ángeles Baños, Buenos Aires, Argentina.

Su obra ha sido adquirida, entre otras, por la colecciones DKV, por los fondos de artes plásticas de la Junta de Andalucía o Sala el Brocense de Cáceres. Ha sido premiado como Artista revelación.

 

Sandra Paula Fernández
Oviedo,1972

 

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en la especialidad de pintura y Máster en Edición de Vídeo + Motion Graphics. En la actualidad reside y desarrolla su trabajo en Madrid.


Su proceso creativo  comprende varias líneas de investigación que van desde las aplicación de nuevas tecnologías y el uso que puede derivar de ellas hasta trabajos donde prima lo manual y lo artesano.
Muchas de sus obras  ofrecen una visión caótica y apocalíptica  cargada de humor e ironía sobre los tópicos de una sociedad de consumo hipersexualizada, cada vez más adormecida y adicta a la comida rápida.


Ha realizado numerosas exposiciones y  participado en diversas ferias nacionales e internacionales tales como Estampa, JustMad,  Context Art Miami o CIRCA Puerto Rico Internacional Art Fair.


Ha recibido numerosos premios y becas entre las que sobresalen  la Beca Generación AlNorte 2016 y la Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias siendo finalista en la 1º Convocatoria de Arte Electrónico de Outsiders Arts Foundation.


Actualmente está representada por la galería Gema Llamazares de Gijón. Su obra se localiza en destacadas colecciones como la Colección Liberbank en Asturias, la Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura y la Nueva Colección Pilar Citoler.

 

María Gimeno
Zamora, 1970

Foto: Ángela Losa

Licenciada en B.B.A.A. por la Universidad Complutense de Madrid. Desde sus años de formación a expuesto su obra de manera constante en Galerías y museos por distintos lugares del mundo, su obra forma parte de colecciones privadas. Ha realizado exposiciones individuales en España, Suiza, México, Alemania, Servia y Yemen así como colectivas en varias ciudades europeas y americanas o del norte de África.


Artista multidisciplinar, trabaja diferentes medios con el fin de poder expresar de manera concreta los conceptos que le interesan. Se  podría definir como feminista autorreferencial. Su trabajo es femenino y feminista, implicado con la situación de la mujer en el siglo XXI y con el compromiso de ser artista.
El trabajo de Gimeno ha desdibujado las fronteras de las técnicas moviéndose entre instalación, performance o vídeo y técnicas clásicas como dibujo, bordado, escultura.

Ha realizado talleres con artistas como Yannis kounelis o Esther Ferrer entre otros.

Ha asistido a residencias artísticas y colabora con varios grupos de trabajo, como Ridícolo, grupo internacional de artistas, fruto de la residencia en la fundación Botín en 2009.

En la actualidad forma parte de –Tertulia La Roldana- colectivo de mujeres artistas que revindican la reflexión a cerca de la problemática de la memoria histórica y actual de las mujeres artistas.

Fundadora de la madrileña galería de arte alternativo de los 90 espacio f, de arte joven.

Hoy, trabaja con la galería Gowen Contemporary, Ginebra y es colaboradora habitual de Rafael Pérez Hernando, Madrid y Páramo, Guadalajara, México.

Acaba de recibir una ayuda de la comunidad de Madrid para seguir trabajando en el proyecto performativo, aquí presentado, Queridas Viejas.

 

Andrea Hauer
Concepción, Chile, 1974

Licenciada Artes Visuales en la Pontificia Universidad Católica de Chile. El año 2001 se traslada a Madrid donde ha cursado estudios de doctorado en la Universidad Complutense de Madrid y de Grado Superior de Grabado y Estampación en la Escuela Arte 10. Se ha formado en fotografía y laboratorio fotográfico y ha participado en talleres y seminarios de prestigiosos artistas y pensadores, como por ejemplo Donald Kuspit, Georges Didi-Huberman, Joan Fontcuberta y Eva Lootz entre otros.

Ha realizado exposiciones individuales en Madrid, Murcia y Gijón y de manera colectiva tanto en España como fuera de ella, destacando su presencia en World of Threads (Canadá), Bienal Con-textile (Portugal) Y Nordart (Alemania).

Es miembro de MAV (Mujeres en las Artes Visuales) y fundadora del Colectivo el Quiltro.

 

Sonia Navarro
Puerto Lumbreras, 1975

Sonia Navarro aprendió costura y sastrería de sus abuelas, antes de obtener una Licenciatura en Bellas Artes y un Master en Fotografía. Ha sido galardonada con varios premios y becas como la Beca de Roma y el Premio de Artes Visuales y Fotografía por el Ministro de Cultura.

Se ha presentado individualmente en galerías nacionales e internacionales, como T20 (Murcia), Mas Art (Barcelona) Ad Hoc (Vigo), Ybakatu, (Curitiba, Brasil) y Galería Pedro Oliveira (Oporto, Portugal); también en la Cité de Paris (Francia). Ha trabajado en proyectos específicos para Manifesta 08; Open Studio Madrid; Puntos en común, CCE Guatemala; Estirar las costuras, Fundación Cerezales Antonino y Cinia, León; y Tirar del Hilo, La Mar de Músicas, Cartagena.

Hace más de una década, a través de diferentes medios de comunicación, como la escultura, la instalación, la fotografía y el dibujo, Navarro ha estado creando obras que desafían y confrontan los mecanismos de poder y sus instituciones, especialmente aquellas que han contribuido al establecimiento de una jerarquía entre géneros, relacionando a las mujeres con el trabajo doméstico y la imposibilidad de movilidad, reflexionando sobre la lucha constante de las mujeres contra las convenciones sociales establecidas.

 

Gema Rupérez
Zaragoza, 1982

Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos (Valencia). Completa su formación en Urbino-Italia y en talleres impartidos por artistas como Chema Madoz, Juan Ugalde, Jannis Kounellis, Rogelio López Cuenca o Cristina Lucas.

Obtiene el DEA (Diploma de Estudios Avanzados) bajo el título: “Materiales plásticos y escultura contemporánea. La seducción de la transparencia” con la beca F.P.I. (Formación de Personal Investigador) dentro del grupo de investigación Nuevos Procedimientos Creativos de la U.P.V.

Recibe diversas becas, de las cuales caben destacar: la Beca Ramón Acín (Huesca),  la residencia en Kiosko Galería (Bolivia), los dos años como miembro de la selección artística en Casa Velázquez (Madrid), la estadía de un año en la Fundación Antonio Gala para jóvenes creadores (Córdoba), la Beca Enate (Huesca) en su VII convocatoria.

Recientemente alcanza el 1er Premio de Artes Plásticas de la Fundación Ramón J.Sender UNED, la 2º Posición en el 3rd International Emerging Artista Award (Dubai), el Premio XVIII Bienal Internacional Santa Cruz De La Sierra (Bolivia), 1er Premio V Concurso de Creación Artística Fundación José García Jiménez (Murcia), el 1er Premio Santa Isabel de Portugal, 2º Premio del VI Concurso de artes plásticas Universidad de Zaragoza.

Exposiciones individuales de los últimos años: Hegemonía Galería A del Arte (Zaragoza), Corriente alterna Twin Gallery (Madrid), Sobre la superficie Sala Juana Francés (Zaragoza), One way Kiosko Galería (Bolivia), Found scenes Galería Art Core (Bari-Italia).

Y algunas colectivas: L.O.T. Lack of transmission. North End Studios (Detroit, EEUU) y China Town, Yam Lau (Toronto, Canadá), I miserabili Museo MADRE (Nápoles), Una obra en busca de empatía Sala de Arte Joven (Madrid), Itinerancia II artistas Casa Velázquez Espacio Pierre Cardin (Paris, Francia), La Paz Museo Nagasaki Prefectural (Japón), Salvados por el arte Instituto Cervantes (Palermo-Italia).

 

El jurado de la Biennal Miquel Navarro de Mislata selecciona las 10 obras que se expondrán en diciembre

 

NOTA DE PRENSA
Un total de 184 artistas se han presentado a los Premios de Adquisición 2017 con obras de compromiso social en materia de igualdad de género.

Los artistas participantes presentaron obras con compromiso social en materia de igualdad de género, requisito fijado en esta edición de las bases. La inauguración de la exposición con los trabajos finalistas será el próximo mes de diciembre, y servirá para desvelar los nombres de los dos ganadores de los Premios Adquisición Mislata 2017, que recibirán 7.000 y 6.000 euros por obras que pasarán a formar parte de la colección municipal.

Diez artistas, ocho mujeres y dos hombres, son los seleccionados para exhibir sus trabajos en Mislata, abordando el género desde diferentes perspectivas y técnicas. Se trata de la primera edición de los Premios Adquisición Mislata 2017 dentro la Biennal de Mislata Miquel Navarro, y ha contado con un jurado de elevado prestigio en el panorama nacional: Lorena Martínez de Corral (directora de la colección de arte contemporáneo de la Fundación Coca-Cola), Ángela Montesinos (presidenta de AVCA Asociación Valenciana de Críticos de Arte), Semíramis González (directora de la feria JustMad9 de Madrid), Alicia Ventura (responsable de la colección de arte DKV), así como la comisaria de esta edición, Alba Braza.

Los nombres de los seleccionados incluyen a una artista de procedencia chilena, Andrea Hauer, un artista español residente en Holanda, Diego Díez, y otros creadores que también conforman el panorama del arte emergente español: Sandra Paula Fernández, Rosalía Banet, Manuel Antonio Domínguez, Gabriela Bettini, María Carbonell, Gema Rúperez, María Gimeno y Sonia Navarro. Todos ellos traerán hasta Mislata sus obras para dialogar en torno a la igualdad en un espacio compartido, la sala de exposiciones del Centro Cultural.

Entre las disciplinas y técnicas, se encuentran pinturas de gran formato, técnicas mixtas, instalaciones y objetos anclados a pared. Algunas obras incitarán a la contemplación y la reflexión, y otras provocarán la participación del espectador. Unas tienen un carácter de denuncia, y otras se adentran en el terreno de la ironía.

Una muestra que según Pepi Luján, concejala de Cultura, presente en la deliberación del jurado, “representa muchos de los aspectos de la desigualdad existente entre mujeres y hombres en nuestra sociedad, nos invita a romper tabúes y fronteras, y analizar con espíritu crítico una realidad que desde el arte contemporáneo y comprometido con nuestra ciudad debemos atajar y visibilizar”.

Según ha explicado también la comisaria de la Biennal, Alba Braza: “con esta segunda edición nos hemos situado como una convocatoria de referencia que aboga por la calidad artística y por dignificar la figura del artista sin límite de edad, ni lugar de residencia. Con ello, estamos dando a conocer la programación cultural del Ayuntamiento de Mislata más allá del propio municipio, ofreciendo una oportunidad excepcional para los ciudadanos de Mislata de visitar obras clave del contexto cultural actual que tienen como eje el compromiso social”.